Foto: Met dank aan het Naturhistorisches Museum

Het sculptuur uit de kunstgeschiedenis, dit kleine beeldje van iets meer dan tien centimeter hoog, werd in 1908 in Oostenrijk ontdekt. ​​Niemand weet welke functie het diende, maar het giswerk varieerde van vruchtbaarheidsgodin tot masturbatiehulpmiddel. Sommige geleerden suggereren dat het mogelijk een zelfportret is geweest, gemaakt door een vrouw. Het is het beroemdste van vele dergelijke voorwerpen uit de oude steentijd.

Foto: met dank aan CC/Wiki Media/Philip Pikart

Dit portret is een symbool van vrouwelijke schoonheid sinds het voor het eerst werd opgegraven in 1912 in de ruïnes van Amarna, de hoofdstad gebouwd door de meest controversiële farao uit de oude Egyptische geschiedenis: Achnaton. Het leven van zijn koningin, Nefertiti, is iets mysterieus: men denkt dat ze na de dood van Achnaton een tijdlang als farao regeerde – of waarschijnlijker, als mederegentes van de jongenskoning Toetanchamon. Sommige egyptologen geloven dat ze eigenlijk de moeder van Tut was. Deze met stucwerk beklede kalkstenen buste is vermoedelijk het handwerk van Thoetmosis, de hofbeeldhouwer van Achnaton.

Foto: Courtesy CC/Wikimedia Commons/Maros M raz

Het Terracottaleger, ontdekt in 1974, is een enorme verzameling kleibeelden begraven in drie enorme kuilen nabij het graf van Shi Huang, de eerste keizer van China, die stierf in 210 voor Christus. Het leger is bedoeld om hem in het hiernamaals te beschermen en volgens sommige schattingen telt het leger meer dan 8.000 soldaten, samen met 670 paarden en 130 strijdwagens. Ze zijn allemaal op ware grootte, hoewel de werkelijke lengte varieert afhankelijk van de militaire rang.

Foto: Met dank aan CC/Wiki Media/LivioAndronico

Misschien wel het beroemdste beeldhouwwerk uit de Romeinse oudheid,Laocoön en zijn zonenwerd oorspronkelijk in 1506 in Rome opgegraven en verplaatst naar het Vaticaan, waar het tot op de dag van vandaag verblijft. Het is gebaseerd op de mythe van een Trojaanse priester die samen met zijn zonen wordt gedood door zeeslangen die door de zeegod Poseidon zijn gestuurd als vergelding voor Laocoöns poging om de list van het Trojaanse paard aan het licht te brengen. Oorspronkelijk geïnstalleerd in het paleis van keizer Titus, is deze levensgrote figuratieve groep, toegeschreven aan een drietal Griekse beeldhouwers van het eiland Rhodos, ongeëvenaard als een studie van menselijk lijden.

Foto: Met dank aan CC/Wikimedia/Livioandronico2013

Michelangelo's David, een van de meest iconische werken uit de hele kunstgeschiedenis, vond zijn oorsprong in een groter project om de steunberen van de grote kathedraal van Florence, de Duomo, te versieren met een groep figuren uit het Oude Testament. DeDavidwas er één, en werd feitelijk in 1464 begonnen door Agostino di Duccio. In de daaropvolgende twee jaar slaagde Agostino erin een deel van het enorme blok marmer uit de beroemde steengroeve in Carrara uit te graven voordat hij in 1466 stopte. (Niemand weet waarom.) Een andere kunstenaar pakte de speling op, maar ook hij kort aan gewerkt. Het marmer bleef de volgende 25 jaar onaangeroerd, totdat Michelangelo in 1501 het beeldhouwwerk hervatte. Hij was toen 26 jaar. Toen hij klaar was, woog de David zes ton, wat betekende dat hij niet op het dak van de kathedraal kon worden gehesen. In plaats daarvan werd het tentoongesteld net buiten de ingang van het Palazzo Vecchio, het stadhuis van Florence. De figuur, een van de zuiverste distillaties van de hoogrenaissancestijl, werd onmiddellijk door het Florentijnse publiek omarmd als een symbool van het eigen verzet van de stadstaat tegen de machten die zich ertegen verzetten. In 1873 werd deDavidwerd verplaatst naar de Accademia Gallery en een replica werd op de oorspronkelijke locatie geïnstalleerd.

Foto: Met dank aan CC/Wiki Media/Alvesgaspar

Erkend als grondlegger van de hoog-Romeinse barokstijl, creëerde Gian Lorenzo Bernini dit meesterwerk voor een kapel in de kerk van Santa Maria della Vittoria. De barok was onlosmakelijk verbonden met de contrareformatie, waarmee de katholieke kerk probeerde het tij van het protestantisme dat door het 17e-eeuwse Europa trok, te keren. Kunstwerken zoals die van Bernini maakten deel uit van het programma om het pauselijke dogma te herbevestigen, wat hier goed gediend was door Bernini's genialiteit voor het doordrenken van religieuze taferelen met dramatische verhalen.Extaseis daar een goed voorbeeld van: het onderwerp – de heilige Teresa van Ávila, een Spaanse karmelietennon en mysticus die schreef over haar ontmoeting met een engel – wordt afgebeeld net op het moment dat de engel op het punt staat een pijl in haar hart te schieten.ExtaseDe erotische ondertoon van de non is onmiskenbaar, het meest duidelijk in de orgastische expressie van de non en de kronkelende stof die beide figuren omhult. Bernini was zowel architect als kunstenaar en ontwierp ook de setting van de kapel in marmer, stucwerk en verf.

Foto: Met dank aan het Metropolitan Museum of Art/Fletcher Fund

De Italiaanse kunstenaar Antonio Canova (1757–1822) wordt beschouwd als de grootste beeldhouwer van de 18e eeuw. Zijn werk belichaamde de neoklassieke stijl, zoals je kunt zien in zijn vertolking in marmer van de Griekse mythische held Perseus. Canova heeft eigenlijk twee versies van het stuk gemaakt: de ene bevindt zich in het Vaticaan in Rome, terwijl de andere in het European Sculpture Court van het Metropolitan Museum of Art staat.

Foto: Het Metropolitan Museum of Art

Hoewel de impressionistische meester Edgar Degas vooral bekend is als schilder, werkte hij ook in de beeldhouwkunst en produceerde wat misschien wel de meest radicale inspanning van zijn oeuvre was. Ontgas gevormdDe kleine veertienjarige danseresuit was (waarvan daaropvolgende bronzen exemplaren werden gegoten na zijn dood in 1917), maar het feit dat Degas zijn gelijknamige onderwerp kleedde in een echt balletkostuum (compleet met lijfje, tutu en pantoffels) en pruik van echt haar veroorzaakte een sensatie toenDanserdebuteerde op de zesde impressionistische tentoonstelling van 1881 in Parijs. Degas koos ervoor om de meeste van zijn versieringen met was te bedekken om bij de rest van de gelaatstrekken van het meisje te passen, maar hij behield de tutu en het lint dat haar haar vastmaakte, zoals ze waren, waardoor de figuur een van de eerste voorbeelden van gevonden voorwerpen werd. kunst.Danserwas het enige beeldhouwwerk dat Degas tijdens zijn leven exposeerde; na zijn dood werden nog zo'n 156 exemplaren wegkwijnend in zijn atelier gevonden.

Foto: Met dank aan het Philadelphia Museum of Art

Terwijl de meeste mensen de grote Franse beeldhouwer Auguste Rodin associërenDe denker, is dit ensemble ter herdenking van een incident tijdens de Honderdjarige Oorlog (1337–1453) tussen Groot-Brittannië en Frankrijk belangrijker voor de geschiedenis van de beeldhouwkunst. In opdracht van een park in de stad Calais (waar een jaar durende belegering door de Engelsen in 1346 werd opgeheven toen zes stadsoudsten zichzelf aanboden voor executie in ruil voor het sparen van de bevolking),De Burgersschuwde het formaat dat typisch was voor monumenten in die tijd: in plaats van figuren geïsoleerd of opgestapeld in een piramide bovenop een hoog voetstuk, verzamelde Rodin zijn levensgrote onderwerpen direct op de grond, ter hoogte van de kijker. Deze radicale beweging in de richting van realisme brak met de heroïsche behandeling die dergelijke buitenwerken gewoonlijk krijgen. MetDe Burgers, zette Rodin een van de eerste stappen in de richting van de moderne beeldhouwkunst.

Foto: met dank aan CC/Flickr/Wally Gobetz

In 1912 creëerde Picasso een kartonnen maquette van een stuk dat een enorme impact zou hebben op de kunst van de 20e eeuw. Ook in de collectie van het MoMA was een gitaar afgebeeld, een onderwerp dat Picasso vaak onderzocht in schilderijen en collages, en in veel opzichten:Gitaarbracht de knip- en plaktechnieken van collages over van twee naar drie dimensies. Hetzelfde deed het ook voor het kubisme, door platte vormen samen te voegen om een ​​veelzijdige vorm te creëren met zowel diepte als volume. Picasso's innovatie was het vermijden van het conventionele snijden en modelleren van een sculptuur uit een massieve massa. In plaats van,Gitaarwas als een structuur aan elkaar vastgemaakt. Dit idee zou weerklank vinden van het Russische constructivisme tot aan het minimalisme en daarbuiten. Twee jaar na het maken van deGitaarin karton, Picasso maakte deze versie in geknipt blik

Foto: Het Metropolitan Museum of Art

Vanaf het radicale begin tot aan de laatste fascistische incarnatie schokte het Italiaanse futurisme de wereld, maar geen enkel werk was een voorbeeld van het pure delirium van de beweging dan dit beeldhouwwerk van een van de leidende figuren: Umberto Boccioni. Begonnen als schilder, ging Boccioni werken in drie dimensies na een reis naar Parijs in 1913, waar hij de studio's bezocht van verschillende avant-garde beeldhouwers uit die periode, zoals Constantin Brancusi, Raymond Duchamp-Villon en Alexander Archipenko. Boccioni synthetiseerde hun ideeën in dit dynamische meesterwerk, dat een schrijdende figuur afbeeldt die zich afspeelt in een ‘synthetische continuïteit’ van beweging, zoals Boccioni het beschreef. Het stuk werd oorspronkelijk in gips gemaakt en werd pas in 1931 in de bekende bronzen versie gegoten, lang na de dood van de kunstenaar in 1916 als lid van een Italiaans artillerieregiment tijdens de Eerste Wereldoorlog.

Foto: met dank aan CC/Flickr/Steve Guttman NYC

Brancusi, geboren in Roemenië, was een van de belangrijkste beeldhouwers van het modernisme uit het begin van de 20e eeuw - en zelfs een van de belangrijkste figuren in de hele geschiedenis van de beeldhouwkunst. Brancusi, een soort proto-minimalist, nam vormen uit de natuur en stroomlijnde deze tot abstracte representaties. Zijn stijl werd beïnvloed door de volkskunst van zijn thuisland, die vaak levendige geometrische patronen en gestileerde motieven bevatte. Hij maakte ook geen onderscheid tussen object en basis en behandelde ze in bepaalde gevallen als uitwisselbare componenten - een benadering die een cruciale breuk betekende met de sculpturale tradities. Dit iconische stuk is een portret van zijn model en geliefde, Margit Pogány, een Hongaarse kunststudente die hij in 1910 in Parijs ontmoette. De eerste versie werd in marmer uitgehouwen, gevolgd door een gipskopie waaruit dit brons werd gemaakt. Het gips zelf werd in New York tentoongesteld op de legendarische Armory Show van 1913, waar critici het bespotten en aan de schandpaal nagelden. Maar het was ook het meest gereproduceerde stuk in de show. Brancusi werkte aan verschillende versies vanMevrouw Poganyal zo'n 20 jaar.

Foto: met dank aan het Museum voor Moderne Kunst

Fietswielwordt beschouwd als de eerste van Duchamps revolutionaire readymades. Toen hij het stuk echter in zijn Parijse atelier voltooide, had hij eigenlijk geen idee hoe hij het moest noemen. “Ik had het gelukkige idee om een ​​fietswiel aan een keukenkruk te bevestigen en hem te zien draaien”, zou Duchamp later zeggen. Het duurde een reis naar New York in 1915 en blootstelling aan de enorme productie van fabrieksgoederen in de stad voordat Duchamp met de kant-en-klare term op de proppen kwam. Wat nog belangrijker is, hij begon in te zien dat het maken van kunst op de traditionele, handgemaakte manier zinloos leek in het industriële tijdperk. Waarom zou je je druk maken, zo stelde hij, als algemeen verkrijgbare gefabriceerde artikelen het werk zouden kunnen doen. Voor Duchamp was het idee achter het kunstwerk belangrijker dan hoe het gemaakt werd. Dit idee – misschien wel het eerste echte voorbeeld van conceptuele kunst – zou de kunstgeschiedenis in de toekomst volkomen transformeren. Net als een gewoon huishoudelijk voorwerp, echter het origineelFietswielheeft het niet overleefd: Deze versie is eigenlijk een replica uit 1951.

Foto: Whitney Museum of American Art, © 2019 Calder Foundation, New York/Artists Rights Society (ARS), New York

Een geliefd onderdeel van de permanente collectie van het Whitney Museum,Calders Circusdistilleert de speelse essentie die Alexander Calder (1898–1976) naar voren bracht als kunstenaar die hielp bij het vormgeven van de 20e-sculptuur.Circus, dat werd gemaakt tijdens de tijd van de kunstenaar in Parijs, was minder abstract dan zijn hangende 'mobielen', maar op zijn eigen manier was het net zo kinetisch: voornamelijk gemaakt van draad en hout,Circusdiende als middelpunt voor improvisatievoorstellingen, waarin Calder rond verschillende figuren bewoog die slangenmensen, zwaardslikkers, leeuwentemmers, enz. uitbeeldden, als een goddelijke circusdirecteur.

Foto: met dank aan het J. Paul Getty Museum

Als schilder, tapijtontwerper en beeldhouwer kan de Franse kunstenaar Aristide Maillol (1861–1944) het best omschreven worden als een moderne neoclassicist die een gestroomlijnde, 20e-eeuwse draai gaf aan traditionele Grieks-Romeinse beeldhouwwerken. Hij zou ook omschreven kunnen worden als een radicaal conservatief, al moet bedacht worden dat zelfs avant-garde tijdgenoten als Picasso na de Eerste Wereldoorlog werken produceerden in een aanpassing van de neoklassieke stijl. Maillols onderwerp was het vrouwelijk naakt, en inHolheeft hij een contrast gecreëerd tussen de materiële massa van zijn onderwerp en de manier waarop ze in de ruimte lijkt te zweven – waarbij hij als het ware de verharde lichamelijkheid in evenwicht brengt met vluchtige aanwezigheid.

Foto: met dank aan CC/Flickr/C-Monster

Kusama, een Japanse kunstenaar die met meerdere media werkt, kwam in 1957 naar New York en keerde in 1972 terug naar Japan. In de tussentijd vestigde ze zichzelf als een belangrijke figuur in de binnenstad, iemand wiens kunst vele bases raakte, waaronder pop-art, minimalisme en Prestatiekunst. Als vrouwelijke kunstenaar die vaak refereerde aan de vrouwelijke seksualiteit, was ze ook een voorloper van de feministische kunst. Kusama's werk wordt vaak gekenmerkt door hallucinogene patronen en herhalingen van vormen, een neiging die geworteld is in bepaalde psychologische aandoeningen – hallucinaties, OCD – waar ze sinds haar kindertijd last van heeft. Al deze aspecten van Kusuma's kunst en leven worden weerspiegeld in dit werk, waarin een gewone, gestoffeerde fauteuil op zenuwslopende wijze wordt omhuld door een pestachtige uitbraak van fallische uitsteeksels gemaakt van genaaide, gevulde stof.

Foto: Whitney Museum of American Art, New York, © 2019 Estate of Marisol/ Albright-Knox Art Gallery/Artists Rights Society (ARS), New York

Marisol Escobar (1930–2016), simpelweg bekend onder haar voornaam, werd in Parijs geboren uit Venezolaanse ouders. Als kunstenaar raakte ze geassocieerd met Pop Art en later Op Art, hoewel ze stilistisch tot geen van beide groepen behoorde. In plaats daarvan creëerde ze figuratieve taferelen die bedoeld waren als feministische satires op genderrollen, beroemdheid en rijkdom. InVrouwen en hondze neemt de objectivering van vrouwen over, en de manier waarop door mannen opgelegde normen van vrouwelijkheid worden gebruikt om hen te dwingen zich te conformeren.

Foto: met dank aan CC/Flickr/Rocor

De Brillo Box is misschien wel de bekendste van een reeks sculpturale werken die Warhol halverwege de jaren zestig maakte en die zijn onderzoek naar de popcultuur effectief in drie dimensies bracht. Trouw aan de naam die Warhol zijn atelier had gegeven – de Fabriek – huurde de kunstenaar timmerlieden in om aan een soort lopende band te werken, waarbij hij houten kisten in de vorm van dozen aan elkaar spijkerde voor verschillende producten, waaronder Heinz Ketchup, Kellogg’s Corn Flakes en Campbell’s Soup. nou Brillo zeeppads. Vervolgens schilderde hij elke doos in een kleur die overeenkwam met het origineel (wit in het geval van Brillo) voordat hij de productnaam en het logo in zeefdruk toevoegde. De dozen werden in meerdere exemplaren gemaakt en werden vaak in grote stapels getoond, waardoor de galerij waarin ze zich bevonden feitelijk werd veranderd in een hoogcultureel facsimile van een pakhuis. Hun vorm en serieproductie waren misschien een knipoog naar – of een parodie op – de toen opkomende minimalistische stijl. Maar het echte punt vanBrillo-doosis hoe de nauwe benadering van het echte werk artistieke conventies ondermijnt, door te impliceren dat er geen echt verschil bestaat tussen vervaardigde goederen en werk uit het atelier van een kunstenaar.

Foto: Met dank aan CC/Flickr/Esther Westerveld

De naam van Donald Judd is synoniem met Minimal Art, de beweging uit het midden van de jaren zestig die de rationalistische invloed van het modernisme tot de kern van de zaak reduceerde. Voor Judd betekende beeldhouwkunst het articuleren van de concrete aanwezigheid van het werk in de ruimte. Dit idee werd beschreven met de term 'specifiek object', en terwijl andere minimalisten het omarmden, gaf Judd het idee waarschijnlijk zijn puurste uitdrukking door de doos als zijn kenmerkende vorm te gebruiken. Net als Warhol produceerde hij ze als herhalende eenheden, waarbij hij materialen en methoden gebruikte die hij ontleende aan industriële fabricage. In tegenstelling tot Warhols soepblikken en Marilyns refereerde Judds kunst aan niets buiten zichzelf. Zijn ‘stacks’ behoren tot zijn bekendste stukken. Elke doos bestaat uit een groep identieke ondiepe dozen gemaakt van gegalvaniseerd plaatstaal, die uit de muur steken en zo een kolom van gelijkmatig verdeelde elementen vormen. Maar Judd, die begon als schilder, was net zo geïnteresseerd in kleur en textuur als in vorm, zoals hier te zien is aan de groen getinte carrosserielak die op de voorkant van elke doos is aangebracht. Judds samenspel van kleur en materiaal geeftZonder titel (stapel)een kieskeurige elegantie die het abstracte absolutisme verzacht.

Foto: met dank aan CC/Flickr/Rocor

Net als Benglis was Hesse een vrouwelijke kunstenaar die het postminimalisme filterde door een aantoonbaar feministisch prisma. Als jood die als kind nazi-Duitsland ontvluchtte, onderzocht ze organische vormen en creëerde ze stukken van industrieel glasvezel, latex en touw die huid of vlees, geslachtsorganen en andere delen van het lichaam opriepen. Gezien haar achtergrond is het verleidelijk om in werken als dit een onderstroom van trauma of angst aan te treffen.

Foto: met dank aan het Museum voor Moderne Kunst

In navolging van Judd en Flavin verliet een groep kunstenaars de esthetiek van strakke lijnen van het minimalisme. Als onderdeel van deze postminimalistische generatie heeft Richard Serra het concept van het specifieke object op steroïden gezet, waardoor de schaal en het gewicht ervan enorm zijn vergroot en de wetten van de zwaartekracht een integraal onderdeel van het idee zijn geworden. Hij creëerde precaire evenwichtsoefeningen van stalen of loden platen en pijpen die tonnen wogen, wat tot gevolg had dat het werk een gevoel van dreiging kreeg. (Twee keer werden monteurs die Serra-stukken installeerden gedood of verminkt toen het werk per ongeluk instortte.) De afgelopen decennia heeft Serra's werk een kromlijnige verfijning gekregen waardoor het enorm populair is geworden, maar in het begin waren werken als One Ton Prop (House of Cards), met vier tegen elkaar geleunde loden platen, bracht zijn zorgen met brutale directheid over.

Foto: Met dank aan CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

In navolging van de algemene tegenculturele trend in de jaren zestig en zeventig begonnen kunstenaars in opstand te komen tegen het commercialisme van de galeriewereld, waarbij ze radicaal nieuwe kunstvormen ontwikkelden, zoals grondwerken. De leidende figuur van het genre, ook bekend als land art, was Robert Smithson (1938-1973), die samen met kunstenaars als Michael Heizer, Walter De Maria en James Turrel zich in de woestijnen van het westen van de Verenigde Staten waagde om monumentale werken te creëren die handelden in overleg met hun omgeving. Deze locatiespecifieke aanpak, zoals het later werd genoemd, maakte vaak gebruik van materialen die rechtstreeks uit het landschap waren gehaald. Dat is het geval met SmithsonSpiraalvormige steiger, dat vanuit Rozel Point aan de noordoostelijke oever van het meer uitsteekt in het Great Salt Lake van Utah. Gemaakt van ter plaatse gewonnen modder, zoutkristallen en basalt,Spiraalsteiger maatregelen1.500 bij 15 voet. Het lag tientallen jaren onder water, totdat een droogte begin jaren 2000 het weer naar de oppervlakte bracht. In 2017,Spiraalvormige steigerwerd uitgeroepen tot het officiële kunstwerk van Utah.

Foto: Met dank aan CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier

Het kenmerkende werk van de in Frankrijk geboren kunstenaar,Spinontstond halverwege de jaren negentig, toen Bourgeois (1911-2010) al in de tachtig was. Het bestaat in talloze versies van verschillende schaal, waaronder enkele die monumentaal zijn.Spinis bedoeld als eerbetoon aan de moeder van de kunstenaar, een tapijtrestaurateur (vandaar de toespeling op de neiging van de spinachtige om webben te spinnen).

Shutterstock

Antony Gormley, winnaar van de prestigieuze Turner Prize in 1994, is een van de meest gevierde hedendaagse beeldhouwers in Groot-Brittannië, maar hij staat ook over de hele wereld bekend om zijn unieke kijk op figuratieve kunst, waarin grote variaties in schaal en stijl zijn gebaseerd. voor het grootste deel op hetzelfde sjabloon: een cast van het eigen lichaam van de kunstenaar. Dat geldt voor dit enorme gevleugelde monument nabij de stad Gateshead in het noordoosten van Engeland. Gelegen langs een belangrijke snelweg,Engelstijgt tot 66 voet hoog en overspant 177 voet breed van vleugeltip tot vleugeltip. Volgens Gormley is het werk bedoeld als een soort symbolische marker tussen het industriële verleden van Groot-Brittannië (het beeld bevindt zich in het Engelse kolenland, het hart van de industriële revolutie) en de postindustriële toekomst ervan.

Met dank aan CC/Flickr/Richard Howe

Door de inwoners van Chicago liefkozend "The Bean" genoemd vanwege zijn gebogen ellipsvormige vorm,Wolkenpoort, het publieke kunststuk van Anish Kapoor voor het Millennium Park in Second City, bestaat uit zowel kunstwerken als architectuur en biedt een Instagram-ready boog voor zondagse wandelaars en andere bezoekers van het park. Gemaakt van spiegelstaal,WolkenpoortDe speelse reflectiviteit en grootschalige schaal maken het tot Kapoors bekendste stuk.

Met dank aan de kunstenaar en Greene Naftali, New York

Het werk van Rachel Harrison combineert een volmaakt formalisme met de gave om schijnbaar abstracte elementen meerdere betekenissen te geven, waaronder politieke. Ze stelt de monumentaliteit en het mannelijke voorrecht dat daarmee gepaard gaat fel in vraag. Harrison maakt het grootste deel van haar sculpturen door blokken of platen piepschuim te stapelen en te rangschikken, voordat ze worden bedekt met een combinatie van cement en schilderkunstige versieringen. De kers op de taart is een soort gevonden voorwerp, alleen of in combinatie met anderen. Een goed voorbeeld is deze mannequin bovenop een langwerpige, met verf bespatte vorm. Het werk draagt ​​een cape en een naar achteren gericht Abraham Lincoln-masker en zendt de grote man-theorie van de geschiedenis uit met zijn evocatie van de veroveraar van de Oude Wereld die rechtop staat op een clownkleurige rots..